„Моята петгодишна дъщеря ще рисува по същия начин“: как да започнете да разбирате изкуството и какво трябва да знаете за това
разни / / November 24, 2023
Интересни факти за художниците и съвети как правилно да се запознаете с картините.
Винаги се отнасяме субективно към творбите на художници или скулптори, защото в творчеството няма строги стандарти. Арт критикът Никита Монич каза на слушателите на подкаста Science Pulverizer как да се научат да разбират изкуството и дали можете да вярвате на стереотипите за живота и работата на творците.
Никита Монич
Изкуствовед, ръководи YouTube канала „За културата“, изнася лекции и организира екскурзии в Мадрид.
Наистина ли един художник трябва да е гладен?
Сложен въпрос. Много често се сблъскваме с този стереотип. Но нека заменим думата "художник" с името на друга професия. Вярно ли е, че един математик, един механик, един министър или един президент трябва да живеят в бедност? Ако всеки от нас помисли за собствения си бизнес, най-вероятно ще стигнем до извода: „Със сигурност работя, за да не съм гладен“. И художниците се отнасят към работата си по същия начин.
Също така си струва да изясним какво означава „професионален художник“.
Каква е разликата между хоби и професия? Харчим пари за хобита, но печелим пари по професия. Съответно, професионален художник не е някой, който има диплома или две дипломи, а работи като тестер или разнася пица. Професионален художник е този, който прави пари чрез творчеството си.
Никита Монич
Но се случва работата на художника да получи достойна оценка едва след смъртта му. Има много творци, които са живели бедно и са умрели неразбрани. И нямаха време да видят, че картините им се търсят. Ето защо, историците на изкуството смятат: ако произведенията на художника са станали високо оценени, тогава той може да се счита за професионалист, който е направил значителен принос в изкуството.
Художникът, разбира се, не трябва да е гладен, но понякога е принуден да живее в бедност. Случва се неговото виждане за света, неговите послания, които се опитва да предаде чрез творбите си, да не намират отзвук у тези, които купуват картините. Това често се случва на иноваторите. Или с такива, които получават признание само в кратък период от творческия си живот. Тогава тези господари наистина остават гладни.
Но за щастие познаваме много художницикоито бяха успешни. Те много добре разбираха от какво се нуждаят съвременниците им. Освен това биха могли да добавят нова визия към традиционните подходи. Но го правеха дозирано – за да приеме обществото иновативните им решения.
Такова признание постигат Рафаело, Рубенс, а по-късно и Марк Шагал, Салвадор Дали, Пабло Пикасо.
Но има и други примери - да кажем Климт и Шиле. Първият има блестяща кариера и е най-успешният художник във Виена. Вторият е негов ученик. Той живя нещастен кратък живот и получи признание едва в самия му край.
Затова се случва мотото на художника да стане фразата l’art pour l’art - „изкуство заради изкуството“. И парите трябва печелят в противен случай. Така е направил известният да Винчи например.
Леонардо да Винчи, когато искаше да яде, да изгради кариера и по принцип да бъде достоен член на обществото, кандидатства за служба на херцога на Милано. И той каза: скъпи херцог, аз знам как да строя чудесни укрепления, като цяло съм урбанист.
Никита Монич
Можем ли да разделим легендите за артистите от фактите?
Нека продължим да говорим за Леонардо и да разгледаме неговата Мона Лиза. Има много легенди около тази известна картина. Смята се например, че художникът е наел музиканти, за да не скучае моделката, докато я рисува. И известната усмивка на Джоконда се появи именно благодарение на тази музика. И като цяло художникът рисува само устните на момичето в продължение на 12 години.
Тук е трудно да се отделят фактите от спекулациите. Не знаем почти нищо за това как всъщност работи Да Винчи и негови съвременници. Да, можем например да изучаваме дневниците на Леонардо. Но осмислянето на записките му не е лесна задача.
Хиляди страници съдържат списъци за пазаруване, размисли за същността на рисуването и идея как да си направим витло. Ето рибата беше увита, ето ръката, ето кракът нарисуван. Накратко, не знаем много за да Винчи от собствените му показания.
Никита Монич
Запознати сме с биографиите на Леонардо и неговите съвременници от записите на художника и изкуствовед Вазари. Но ние не знаем колко точно са отразени фактите в тези произведения, които са станали канонични.
Например Вазари описва веждите на Мона Лиза. Но върху платното няма вежди. Освен това те отсъстват не само в окончателния вариант. Под външния слой, ако изучавате снимката с рентгенова снимка, веждите също не се виждат. Оказва се, че Вазари или сам не е виждал тази картина и „Рабинович му е пял“, или я е видял, но е написал за нея по памет и е сгрешил.
Но има и факти, в които сме сигурни. Леонардо пише „Джоконда“ много дълго време и се отнася към нея с особени емоции. Той започва работа след получаване на поръчката през 1467 г. Тогава той така и не даде картината на клиента и я взе със себе си за дълго време. След 40 години Леонардо се връща на работа. Може би е добавил само няколко щриха - дори с помощта на рентгенови лъчи не можем да кажем точно коя година е нанесен всеки конкретен щрих. Но знаем, че художникът е завършил картината много години след началото на работата.
„Мона Лиза“ попадна в кралската колекция от картини на Франция при Франциск I. Купува я след смъртта на да Винчи. Но беше поръчан от съвсем други хора и не дойде при клиента, защото всички срокове бяха безсрамно пропуснати.
Никита Монич
Кого всъщност рисуват художниците в своите портрети?
Изглежда, че отговорът е очевиден: тези, които им служат като модели. Но ако говорим за Мона Лиза, можете да чуете много спекулации за това кой наистина е искал да изобрази Леонардо. Някои вярват, че самият той. Или дори Христос.
Всъщност не е много важно кой е послужил като модел за снимката. Често портретът е просто изображение. Да кажем, че човекът на платното е много подобен на този, който е позирал. Всяка картина обаче е и портрет на самия художник. Но не защото винаги рисува външния си вид.
Тук не е важна формата, а съдържанието. Тоест посланието, смисълът, който художникът влага във всяка своя творба. И това послание зависи изцяло от създателя.
Каква роля играят жените в класическото изкуство?
Те често стават музи за творците. Но те рядко са успели сами да получат класическо образование и да станат художници.
Това е една от причините за ограничението. Всяка картина или скулптура е сетивен обект. Творчеството винаги е било свързвано със сексуалността. Това до голяма степен е сублимация, тоест насочване на сетивната енергия в друга, творческа посока. И ние знаем това художнициСъздателите на класическото изкуство често рисуват голи женски фигури. За целта им позираха модели.
Но през миналите векове е било невъзможно дори да си помислим момиче да рисува гол мъж. Тя дори не можеше да бъде в една стая с него.
Но това не означава, че жените не са повлияли по никакъв начин на изкуството. Напротив, без тях едва ли щеше да достигне високо ниво.
Наскоро музеят Прадо направи проект El Prado en femenino. Създателите му направиха видео, в което всички картини, които жената поръча, купи или направи част от колекцията на жената, изчезнаха от стените на музея. И в резултат на това почти всички основни шедьоври изчезнаха от музейните зали във видеото.
Защото докато мъжете се ядосват един друг в храстите, жените изпълняват много по-важна задача: настройват тяхното жилищно пространство, отглеждат деца и изобщо - отговарят за лицето на режима, кралския двор и т.н. По-нататък.
Никита Монич
Може ли обикновен човек, а не специалист, да разбере съвременното изкуство?
Всяка картина, скулптура, произведение на декоративно-приложното изкуство, мелодия е послание. И се излъчва на някакъв език. Това означава, че за да дешифрирате това съобщение, трябва да знаете езика, на който се предава.
Когато човек види хора или предмети на снимка, често му се струва, че всичко е ясно. Зрителят може да си помисли: това е реалистично нарисувана красива жена - какво неясно има в това? Но той не вижда алегориите, не знае каква история е криптирана в картината, не разпознава литературните цитати, свързани с нея. Ако види светци, той може да не знае с какво са известни, до какво са нарисувани атрибутите им или защо са необходими тези атрибути. И в крайна сметка той не разбира посланието, което художникът е искал да предаде.
Но човекът заключава: „Разбирам това, защото тук има хора. Но тук има само петна, моята петгодишна дъщеря ще рисува по същия начин - не разбирам.
Когато някой каже, че петгодишното му дете може това, винаги не е вярно. Изкуството не е обект. Изкуството е връзка, която се ражда между зрителя и обекта или не. И ако се роди, човекът е като: "О, изкуство!" И ако не е роден, той казва: „Това не е изкуство.“
Никита Монич
Но за да възникне връзка, трябва да разберете какво точно ви е казано. Ако фразата звучи на непознат език език - например на виетнамски или унгарски - нищо няма да възприеме. И няма да получи съобщението, дори то да е изключително важно и да промени живота му.
Заключаваме: да разбираш изкуството означава да познаваш добре езика, на който говори художникът. Ако не разбирате този език, тогава ще бъде невъзможно да чуете художника.
Как да се научим да разбираме изкуството
Струва си да разберете какво точно харесвате и с което резонирате. За да направите това, трябва да опитате различни неща. Това е като с продуктите: можете да сравните няколко вида сок и след това да решите, че все пак бирата ви харесва повече. Но първо трябва да опитате всяка напитка.
Ако сте започнали да се запознавате с изкуство, запомнете две правила:
- Интересът към картината започва с второто гледане. Ако искате да го погледнете отново, това означава, че има нещо в него.
- Не се страхувайте от спойлери. Преди да отидете в музея, можете да прочетете за него. И вижте 20-30 шедьовъра, които се съхраняват там. Те са лесни за намиране, например, на платформата Google Arts&Culture.
Отначало просто разгледайте снимките, прелистете страниците - на първия етап това е достатъчно. В същото време отворете в нови раздели онези платна, които привлякоха вниманието ви. След това погледнете отново тези произведения, прочетете за тях.
По-късно, когато отидете в музея, отидете направо към картините, които ви интересуват. Тоест към вече познати платна. Това е необходимо, за да не хабите най-ценния си ресурс – вниманието.
Много важен момент: не се опитвайте да гледате всичко. „Имам четири часа, предстоят 400 зали на Лувъра - сега ще го разберем“ - дай Боже! Преди повече от 100 години е измислен терминът „музейна умора“. Това просто ще ви взриви, ще ви свърши свободното място на вашия твърд диск.
Никита Монич
Затова гледайте само това, което сте планирали предварително. И след това се опитайте да отделите три творби от всичко, което видяхте:
- Какво ти хареса най-много.
- Какво не ви хареса най-много.
- Какво ти се стори най-странно.
След това вземете вашия смартфон и го включете аларматака че да звънне след пет минути. Много е важно да не гледате екрана през цялото това време, така че нека бъде будилник, а не таймер. И говорете с избраната снимка в продължение на пет минути. Не забравяйте да говорите на висок глас, само тихо - все пак сте в музей. Говорете със средно темпо, без повторения. Продължете, докато не прозвучи алармата.
Когато звънне, ще откриете огромно количество нови неща за тази снимка. Сякаш ще пробиеш някаква полупрозрачна мембрана на стереотип. Правейки това с три картини като някакви отправни точки, ще поставите основата.
Никита Монич
Е, ако повтаряте тази техника всеки път, когато посещавате нова изложба, с времето ще натрупате възприятие. И ще можете да интерпретирате изкуството по-добре.
Други интересни лекции🧐
- Възможно ли е да се лети през Юпитер и кога ще намерят нова планета: казва астрофизикът Владимир Сурдин
- Колко спят гениите и дали дългият сън наистина е вреден: обяснява сомнологът Роман Бузунов
- „Средновековието не донесе никакъв упадък в културата и науката.“ Защо - казва историкът Олег Воскобойников